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第三步：构思最终照片的效果
无论是从这些步骤的标题还是其后的写作内容，我们都可以清楚知道这些步骤是同时进行的，而不是前后进行的。例如，第二步取决于你对最终照片效果的构思，有了构思之后你才可以决定是否需要使用滤镜，或使用怎样的光源，或是否需要提高、降低或保持反差（关于反差控制，参见第8章、第9章和第11章）。
视觉化最难的一部分，似乎就是在观察场景的同时构想最终效果，即如何把场景转变为摄影作品。除非是拍摄桌面模型，否则你基本不可能在相机前创造出场景来，然而你却一直是摄影作品的创造者。场景是三维的，而你的照片是二维的（虽然它是三维空间的映射）。场景是有颜色的，而你的作品或许是黑白的。这样的话，你可能要增加或降低场景原有的反差，可能要压暗或提亮图像中的不同部分。如果拍摄的是彩色照片，你可能需要改变场景的反差、明亮关系、整体颜色与饱和度。
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现实场景和你的照片可以有非常大的区别。实际上，这些区别可能比你预想中还大，因为你对场景的反应同样取决于各种非视觉的感官信息——声音、味道、温度、风的轻抚，对周边事物的感觉，以及你的健康状况和精神状况。这些东西都是看不到的，但都对你的反应有所影响。那么，你如何按自己的愿望，把这些感觉都保存下来，转换成8×10、11×14或16×20画幅的二维图像？老实说，这不可能！照片与场景是非常不一样的，因此，尝试“保存场景”是很愚蠢的。相反，你应该尝试把场景中让你印象深刻的感觉传达出来。
要注意，即使我们的语言，也会把场景和照片之间的显著差异搞混。例如，我们经常一边看照片，一边听到“踢足球那个是我的儿子比利”，或者“那是我们在大峡谷住的小屋”。当然，那不是比利，是比利的照片，那也不是小屋，而是小屋的照片。因此，我们所用的词语会把照片和场景混淆在一起。小心这个陷阱！不要把二者搞混！（如图4-2所示，那不是意大利北部的阿尔尼大理石采石场，而是我在2001年，按自己的构想给它拍的一张照片。）
图4-2：阿尔尼大理石采石场
平静如镜的水面把这个拥有500年历史的采石场（它也许为米开朗基罗提的伟大雕塑作品提供过原料）折射成万花筒一般。如果没有下面的反光，这幅照片或许会缺乏爆炸性的威力。为了创造这种效果，我把反光部分的反差明显提高了，并大大增加了亮度。这并不是我所见的场景，而是我通过曝光、显影和扩印创作出来的场景
我们必须把场景中能被演绎成视觉影像的元素提取出来，让影像传达我们想要的感觉。这包括了前一章讨论过的构图元素，以及在第1章讨论过的“了解自己观点”的元素。把自己对场景的理解和反应结合起来，然后用摄影的工具演绎出来给读者观看，这样，你就也许就可以把自己的真实感受传达出来，甚至可以强化这些感受。
事实证明，大部分人都会坚持“复制”和“忠于”场景。真正的摄影家会超越场景，把场景作为自己的创意或演绎目标的出发点。如果你的目标只是保存自己所见的东西，那你的创造性就会很有限。那些没有观察构图元素或构思最终效果就拍摄的人（或者那些只因为丈夫或妻子说应该拍这张照片而拍照的人），他们都只是在拍快照而已。游客们很少思考光线，或者推断下一小时或明天早上会有什么光线变化。他们很少考虑隐藏在其中的构图元素。通常，拍摄的动力都是因为他们以后都不会再到那个地方了，所以“最好现在就把它拍下来！”这种态度往往会拍出极其沉闷的快照。
我建议你宁愿留下对景色的美好回忆，也不要留下一张坏照片，因为这张照片最终会变成你对景色的回忆。如果你愿意、并渴望超越场景，那么你的创意潜力就是无限的。你不仅可以向观看者展现对你影响很深的东西，而且还可以创造出全新的世界。米诺·怀特（Minor White）说过：“我们拍摄的某种东西原因有两个：它是什么，以及它除此之外还是什么（for what it is, and for what else it is）。”这句话是我们要谨记的。
有创意的摄影师会认识到有些条件还不成熟，不能拍摄出符合期望的照片，即使他们正在观赏最宏伟的场景。亚当斯并不是每次去到约塞米特峡谷都会拍照的，虽然我觉得他每次都会对眼前的景色感到惊奇。只有出现极其非凡的条件，让照片具有“摄影学上的意义”时，他才会拍摄。
